text: 20世纪50年代末-60年代初，关于战争的阴云和未来的茫然笼罩在人们的头上。为了寻找慰藉，同时也是因为对致幻药物的监管不力，导致了大批年轻人开始滥用迷幻剂。
  而这种影响不可避免地波及到了艺术圈。在迷幻剂、布鲁斯音乐和印度音乐的共同融合作用下，迷幻摇滚诞生了。
  严格说来，酸摇Acid Rock，一开始的时候指的并不是一个明确的流派。它的名称源自于嬉皮士运动时，人们经常会拿Acid指代LSD（迷幻剂），因此顾名思义，酸性摇滚最初就是迷幻摇滚的代名词，而它也是1960年代迷幻亚文化的重要组成部分。不过，随着后来音乐的发展和人们对于它的认知转变，酸性摇滚开始指代迷幻摇滚中更加原始、更重的一部分。
  狭义的酸性摇滚是从1960年中期的车库朋克运动演变而来，结合了发展至巅峰时期的迷幻摇滚，主要从美国西海岸发展起来。酸性摇滚通常拥有强烈沉重的、扭曲的吉他音色，和与迷幻、毒品紧密关联的音乐主题。在英伦入侵的大前提下，美国本土的音乐人力求更大的突破和改变，于是，与英式迷幻摇滚更加注重奇特的声音效果或怪异灵感相比，酸性摇滚更强调极端的迷幻式体验。
  很显然，最初被当作酸性摇滚先锋的那批乐队，其实跟另一个当年的文化运动是紧密相连的——反主流文化运动中的嬉皮士。“跨掉的一代”年轻人们，沉溺于迷幻剂所带来的快感中，并且致力于将这种感觉渗透到自己的音乐中。他们甚至会在表演现场伴随着灯光秀，用来复制迷幻体验的视觉效果。现在已经很难追溯到第一个这么做的人到底是谁，不过，根据传记作者Kevin T. McEneaney的记录，1965年12月4日，the Grateful Dead 在加利福尼亚圣何塞的人群中进行第二次“酸性实验”的时候，酸摇诞生了。他们在舞台上使用频闪灯，来尝试重现类似LSD的“超现实的碎片化”，“捕捉瞬间的生动图景”，随后，类似的场景实验也成为了当时的迷幻亚文化的一部分。
  作为酸性摇滚起源中最重要的一环，车库朋克（Garage)为酸性摇滚提供了重要的原始能量。
  一些先锋音乐人用车库朋克的重度失真、声音回授和分层声波效果，取代了迷幻摇滚乐中更有旋律性的吉他部分，大大增加了迷幻摇滚的致幻力量。Count Five发行于1966年的《Psychotic Reaction》正是这种尝试的先锋产物之一，也第一批酸摇歌曲的代表。
  而Beatles的1966年专辑《Revolver》也普遍被认为是成功传达了受到迷幻剂的启发而创作出来的作品，尤其是《Tomorrow Never Knows》一曲，为酸性摇滚打开了大门。
  （Author Steve Turner recognises the Beatles' success in conveying an LSD-inspired worldview on their 1966 album Revolver, especially with the track "Tomorrow Never Knows", as having "opened the doors" to acid rock.)
  而其他作品或者乐队还包括Beach boy的《Good Vibrations》，Jefferson Airplane，The Doors， the 13th Floor Elevators，Paul Butterfield Blues Band，当然，还有著名的The Beatles 发行于1967年6月的专辑《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》。
  1972年10月，Lenny Kaye作为牵头人发行了一张音乐选集，名为《Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965–1968》。这张专辑中收录了包括the 13th Floor Elevators,Count Five等乐队在内的诸多音乐代表作品，是一张较为集中地呈现了1960年晚期车库音乐向酸性摇滚过渡状态的重要合辑。对于我们了解车库朋克、迷幻摇滚和酸摇之间的关系有极大的助益。
  作为迷幻摇滚中向更为极端的方向发展的一个分支，酸摇往往采用更加明亮、充满即兴感的声音和更加直接的方式表达一切——最强烈的迷幻，最快乐或者最痛苦的情感，最狂的狂热和黑暗，最混乱的爆发或者最安静的和平……
  为了达到这种更加极端的效果，所以酸摇会采用更多的电声乐器和失真，大量融入类似于自由爵士音乐的即兴创作、即兴演奏，以及实验性的声音效果，音乐结构也更为自由，因此超长的吉他SOLO和电子琴在酸性摇滚中也非常常见。
  而毒品和LSD则是非常常见的音乐主题，比如Jefferson Airplane 1967的歌曲《White Rabbit》以及Jimi Hendrix的《Purple Haze》。
  后来，随音乐发展到了60年代末，酸性摇滚的元素也因为极端的表达，分裂向了两个截然相反的方向。
  一个方向是保留了酸摇原始和沉重性的硬摇滚和重金属风格，在布鲁斯摇滚的基础之上，追求更加躁动的效果，酸摇为他们带来了更强烈的、充满了撕裂感的效果器的运用方式。这部分乐队包括如Blue Cheer、Iron Butterfly和Vanilla Fudge等，他们都是早期重金属的典范。
  Iron Butterfly的《In-A-Gadda-Da-Vida》是酸摇向重金属之间转换的一个比较典型的例子。也是同一年，Blue Cheer的专辑《Vincebus Eruptum》也是酸摇与重金属之间紧密关联的一个证明。随后，Steppenwolf，Cream、Jimi Hendrix Experience和Led Zeppelin延续了酸摇的电气化发展倾向结合布鲁斯声调成为早期重金属的雏形。而Black Sabbath则为重金属提供了充满神秘感的主题和歌词。到了70年，这些乐队将酸性摇滚的响亮、原始的失真色彩进一步发展，并且一直将这种明显的影响延续到了八十年代。
  而酸摇分裂的另一个方向则是前卫摇滚。这个方向的乐队主要包括Yes、Pink Floyd、King Crimson和Emerson, Lake, and Palmer等。他们在保持着作品中的迷幻色彩的同时，将音乐的主题和声响从毒品、LSD转向了更加广泛的视野，并且在自己的音乐中增加了更多电子实验或古典元素。相对传统摇滚乐，他们更注重对音乐本身的批判和质疑，但同时也将摇滚乐的边界扩展到更加惊人的范围。而此后，更是开启了新浪潮的序幕，并间接影响着德国Krautrock的发展以及现代电子乐的起步。
  到了90年代，酸性摇滚和其它摇滚、金属流派结合，诞生了诸如Stoner Metal之类更加沉重的风格。当然，此为后话了。
  可以说，整个现代的西方流行文化场景，都曾经（或正在）或多或少受到了迷幻文化的影响，随后更是发展出了各种酸性艺术的设计理念。虽然到了六十年代后期，各国政府纷纷将致幻药物列为非法，而作为一种叛逆精神的延续与象征，“Acid”的文化符号则保留了下来。“Acid”现代的意义更多在于反叛，指的是打破既有常规，打破统一的审美和价值规律。而摇滚乐，若是没有这场酸性实验，恐怕就得是另一个模样了。从零开始说摇滚之补遗篇：酸性摇滚（Acid Rock)